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Exposição

2009-09-05T07:28:00.000-07:00

Compareçam!

Dia Nacional das Artes

2009-08-12T11:14:00.000-07:00

Baixo-Falantes, 1971.

Amélia Toledo

Cones de fiberglass, feltro e borracha preta revestidos com aço inox, recortes de revista e jornais.

Roberto Conduru, diretor do instituto de artes da uerj fala sobre esse dia:

Mas, afinal, o que é Arte?12/08/2009

No dia 12 de agosto, é comemorado o Dia Nacional das Artes. Num país que cuida tão mal do seu patrimônio artístico e que tem políticas de fomento que carecem de aperfeiçoamento visando à efetiva democratização, segundo especialistas, nada melhor do que se pensar um dia para tal comemoração.

Ao longo do tempo, definir o que vem a ser Arte sempre foi uma tarefa difícil e, até certo ponto, polêmica. Pinturas, músicas, esculturas, filmes, peças teatrais, danças e muitas outras atividades podem ser consideradas produções artísticas. Para o professor Roberto Conduru, do Instituto de Artes (ART) da UERJ e pesquisador do Núcleo de Livres Estudos em Arte e Cultura Contemporânea (Nuclear) - grupo que se dedica a diversos assuntos e têm, como ponto em comum, o entendimento de que tanto as obras de arte quanto as suas interpretações são contemporâneas. “Arte é o que é considerado como Arte por diferentes grupos sociais. Apesar de mudarem ao longo do tempo e do espaço, os conceitos e valores relativos a isso, algumas obras e realizações persistem sendo convencionadas enquanto arte, seja devido à força das instituições que promovem tais valores, seja uma decorrência de reconhecimentos coletivos, que se ampliam para além de seus contextos originais, em direção ao universal”.

Quanto à relação entre arte e cultura na contemporaneidade, Conduru afirma que ela é problemática. Para ele, se por um lado grande parte dos artistas intervêm no sistema cultural vigente pretendendo subverter os valores instituídos, por outro, o sistema de arte tende a querer acomodar as ações inovadoras às lógicas institucionais. “Situações de concordância entre ações artísticas e cultura instituída tendem a ser consideradas conservadoras” - explica.

Fonte: http://www.uerj.br/modulos/kernel/index.php?modulo=noticias&cod_noticia=3604

Criticando os amigos

2009-07-31T16:40:00.000-07:00

É o seguinte: eu quase nunca posto então pra compensar quando posto jogo logo um pedardo de 3000 caracteres. Se alguém tiver paciência de ler e criticar: Estamos aí!

Enfim, segue abaixo a critica de dois espetáculos que assisti e que tiveram os seus releases divulgados aqui:

Espetáculo: Zona de Risco

Zona de Risco foi um espetáculo realizado numa curta temporada pela UERJ, no teatro Noel Rosa, coordenado e dirigido pela professora Doutora Nanci de Freitas. O espetáculo foi montado a partir de fragmentos de alguns roteiros e do Poema Sujo de Fernando Pessoa. Juntamente com os alunos, num roteiro de colagem e numa elaboração colaborativa, a peça foi montada com o intuito de abrir debate sobre a violência. Em cima da carta manisfesto do movimento “Rio de Paz” a maior parte da peça fala de temas como violência urbana, medo e caos.
Assisti ao espetáculo três vezes – de fato foram 4, mas na primeira apresentação não pude a experienciar de fato pois estava como o operador de som -, e em cada uma delas pude perceber diferenças na resposta do público. Na primeira vez, tive a minha egoísta experiência, pois não a compartilhei com ninguém. Apenas assisti a peça com a maior atenção que pude. Foi desgastado pelo tema e pelas imagens exibidas. O espetáculo se dividia em atos não demarcados concisamente, mas em movimento de transições onde antes de exato fim de um o outro já dava o seu começo.
Esteticamente isto contribui na materialidade da peça e na sua apreciação. Pois nos atordoa na medida do tema em voga. O primeiro ato acontece em torno de uma única personagem: Malicius. Este se apresenta como um ser do mau, ou do mal. Um “U” ou um “L” modificam como cada pessoa entende a personagem a frente. Pois podemos o entender como um subserviente da maldade - aquele que faz mal-, ou como o próprio Mau - aquele que promove o mau nos outros para que esses façam maldades (uma espécie de vírus, doença).
Os dois atos seguintes se difundem numa plástica performance, onde os atores representam vozes como avatares –no sentido de que não estão atuando, ao mesmo tempo em que também não estão sendo eles mesmo, é apenas a voz num corpo-. Onde frases poéticas, ou jornalísticas são lançadas a platéia enquanto é montado um pano vermelho a volta do palco. O pano delimita a próxima ação (o Ato III).
Assim, em seguida uma música envolve todo o Ato III. Não há falas, não há um discurso, há apenas uma perseguição: dois homens vão atrás de uma mulher. Ambos vestem-se como seres urbanos (sendo os homens num traje com referencia a bandidos – meia calça na cabeça-). A perseguição aumenta conforme o ritmo da música, passamos de uma batida percussionista a Vivaldi (Spring). Quando, num extremo cansaço a atriz cai ao chão, em seguida um pano preto a envolve, uma rosa é posta em sua mão. O palco escurece, apenas um foco no palco. Um silêncio perturba a cena por demais cansativa, quando uma estática de rádio rompe o teatro e um vídeo é projetado.
O vídeo pode ser considerado como o Ato IV, ou uma transição. Ele fala por si ao jogar em cortes violentos cenas de todo tipo brutais: armas, guerras, filmes de ficção, desenhos animados, estupro, explosões. O som é perturbador.
No fim do vídeo, o foco da atriz é desfeito a mesma se levanta e saí enquanto uma luz –simultaneamente- lavanda entorpece todo o palco. Uma fumaça inebria o ambiente enquanto uma pequena luz, vinda de uma lanterna, a invade. É o Ato V, onde o espetáculo nos dá um tempo para respirar. Uma cena calma, bem narrada. Um guarda noturno nos conta de suas rondas, de não dormir mais por insegurança. Plasticamente linda.
Ele sai do Palco, as luzes do teatro acendem – O momento é de CAOS – grita um dos atores que agora está no meio da platéia, algemado. Ele anda em direção ao palco, e conforme seus passos seguem ao destino, as luzes se apagam e um foco quadrado se acende a nossa direita. Está tudo escuro. Só vemos o foco quadrado, o ator, um outro foco se acende e agora podemos ver os outros três atores que estão sentados em cadeiras. O ator do foco quadrado se venda, e os atores sentados levantam jornais ao ponto de não vermos mais os seus rostos. Mais uma performance acontece. O ator do foco vendado se debate como se estivesse numa prisão feita de luz. Uma prisão impalpável. Imageticamente poético. Ao acabar a primeira parte de sua performance, ele cai no chão e recita a letra de uma música – fato que eu só soube mais tarde- do Rappa.
Ao término do recital as luzes se acendem – em fade – enquanto os três outros atores começam a ler notícias que estão no jornal. Notícias de violência apenas. A saturação de notícias enlouquece um deles – CHEGA! Vou embora daqui! – que se distância e pega uma mala.
Este é o início do Ato VI. A atriz arruma a sua mala enquanto faz um poema sobre suas lembranças do lugar de onde ela vai embora. Os outros apenas a observam sentados. Um rosa toma conta do palco, dando um ar romântico a cena. Essa é mais uma cena para se respirar. O que nos leva a pensar num espetáculo de estruturação Aristotélica, onde se tem 3 atos principais. O início, o meio e o fim. Entre um e outro existe a peripécia, ou o gancho. Abordado nesse espetáculo nos momentos mais calmos – como esse. Logo, imaginasse que o espetáculo já esteja perto de seu fim.
A atriz continua a sua performance, ela já está com um véu de noiva em sua cabeça e retratos de suas lembranças foram espalhadas pelo palco. Ela vai em direção a uma das escadas de saída do palco, uma das que vai de encontro a platéia – Foge comigo esta noite? Pelo Brasil, Salve, Salve – e desce as escadas. Janis Joplin é quem nos dá agora a sua presença na música Cry Baby.
Os que sobraram no palco recolhem cabisbaixos as fotografias espalhadas. Joplin continua sua performance no playback, três focos são postos no palco. Os atores colocam uma cadeira em cada um deles. Joplin vai desaparecendo e dá lugar ao que será o ápice da peça. Um ganido do que vemos depois ser a máquina de fumaça nos assusta. Os atores estão com olhares perplexos. Não se movem. A nuvem toma conta de todo o palco, mais um ganido. De súbito eles começam a se movimenta. Cada um tem uma série especifica de movimentos feita com a sua cadeira. Uns rápidos, outros dramáticos, alguns simples, mas cada movimento nos tira a centralidade do palco que já está totalmente escuro. Vemos apenas os focos e os atores. Há som com suas cadeiras no chão do palco. Até que o barulho de um sino funesto, de um vendaval complementa a performance. Agora quem entra em cena é ninguém mais ninguém menos que Wagner com sua ópera Walkirias.
O som é altíssimo e pequenos trechos do apocalipse são citados em off. Até que a música abaixa e uma cena real é narrada. Os atores paralisam até que se acaba a narrativa e Wagner retoma a cadencia dos movimentos. Pequenos trechos de colagens de relatos da primeira e da segunda guerra mundial são jogados ao público que apenas o pode escutar. Até que todos paralisam, e a atriz entra como a besta do apocalipse.
Um pouco teatral demais para uma peça que vinha num tom performático demais, mas não deixa de ter o seu valor.
Ela retira um dos três atores e as luzes se acendem. Com exceção de um ator. Não há mais nada no palco. Ele recita, não como ator, nem como personagem, mas como um simples cidadão, o “manifesto Rio de Paz” e sai. Em off começam a ser ditos nomes de pessoas que morreram brutalmente. Os atores cobrem todo o palco com um enorme plástico preto. E saem...
É o fim da peça.

Essa foi a minha primeira experiência com a peça, e o público aplaudiu a saída dos atores. Fiquei pensando se de fato a havia algo a ser aplaudido ali. Enfim, na segunda vez, não houve aplausos e pude presenciar o choro de um ou outro espectador. Um silêncio fúnebre estava estampado na face do público nesse dia. Na terceira vez, nem um nem o outro. Alguns ficaram surpresos, outros saíram discutindo, algumas perguntas eram jogadas ao vento – Acabou?-, mas também não ouve aplauso, apenas a dúvida se era ou não para aplaudir.

Espetáculo: Conexões Dançantes.

O espetáculo de dança Conexões Dançantes organizado pela professora Maria Lúcia Galvão e pala Faculdade de Dança Angel Vianna, propôs um ambiente misto de danças. Encontramos nele desde da música eletrônica até a mais clássica. Envolvendo companhias de dança de diversos estados do Brasil, a mostra trouxe a UERJ um pouco de repertório sobre a atual produção de dança em outras universidades.
Sendo uma curta temporada de dois dias os quais participei dos dois, pude apreciar a dança. Como todo espetáculo, imagino eu, houve partes as quais não foram de um grande apreço de minha parte. Em contra partida outras me embriagaram com sua beleza.
Em primeiro se faz necessário realizar que o palco e as luzes, a parte cênica e técnica do espetáculo, se encontravam muito bem arranjadas. O chão do palco tinha sido revestido por uma espécie de plástico branco a qual dava uma imensidão as cores das luzes gelatinosas. Assim um pequeno amarelo, tornava a cena clara e tomava conta de todo o palco. As músicas também estavam em um bom volume e audíveis, sem distorção.
O espetáculo inteiro se deu entorno de pequenos sketches, me levando a pensar na idéia de um CD player. Pois não havia conexão de fato entre um e outro. Não que isso seja ruim ou bom, não estou julgando com juízo de valor, apenas apresentando o que vi.
Algumas apresentações foram ofuscantes, elas apagavam, com o seu brilho, umas outras um tanto quanto esmaecidas. Não por um trabalho mal feito, mas por envolver uma questão com o corpo e com a performance que ia além de simples sincronia de movimentos.
Gostaria de ressaltar aqui a última parte do espetáculo, a última cena em si. Ela ocorreu depois de uma pequena performance dos técnicos para retirar o plástico branco que encobria o palco (detalhe interessante é que algumas pessoas acreditaram que isso fazia parte do espetáculo – mas isso entra em outra discussão). Após o palco voltar a ser pura madeira, o show apresentado foi sapateado.
Duas meninas se apresentavam no palco, ambas com vestidos similares. Elas se entre olhavam e trocavam as vozes de seus calçados num ritmo um tanto quanto lento. Elas conversavam com seus passos e sorriam uma para a outra. Estavam em sintonia e logo tomaram do público o seu silêncio e atenção. Inclusive de mim. Eu fui tomado pela beleza de uma delas. Esguia e loira sapateava com grande destreza e acuro. Algo envolvia a sua performance que me fez ser totalmente hipnotizado por ela. A outra, para mim, praticamente se perdeu e tornou-se mera coadjuvante. O ritmo aumentava e a dança se tornava ainda mais interessante. Os movimentos mais difíceis vindos dela eram transmitidos com uma simplicidade – como se fosse fácil. Não havia nada mais de som eletrônico apenas o acústico de seus pés.
Enfim: acabou. Os aplausos romperam todo o teatro, realmente foi a parte mais forte de todo o espetáculo – logicamente deixado para ser a última apresentação. Ele foi fechado com “chave de ouro”. As luzes se acenderam, todos os que participaram do espetáculo foram ao palco pegar os agradecimentos. Não consegui encontrar dentre eles a menina a qual me encantei. Por fim, todos já estavam por sair. Eu que era amigo de uma das participantes fiquei um pouco mais para parabenizá-la pelo ótimo espetáculo.
Cumprimentos a parte, um certo tempo foi passando quando o comentário “essas foram as meninas que sapatearam” me tomou a atenção. Elas estavam irreconhecíveis e tragicamente não consegui reconhecer a que me chamou a atenção. De imediato relembrei da Heidegger quando em seu livro “A origem da Obra de Arte” toma os termos Terra e Mundo como a materialidade da obra e o seu campo semântico, respectivamente e sucintamente. Lá estava eu, momentos antes embriagado pela beleza de uma delas que em sua materialidade da dança, do sapateado me levou a um estado sublime da arte (aí está o Mundo, o seu campo semântico). Logo depois, ao fim do espetáculo, ela, que havia me encantado, agora sem sua Terra e sem seu Mundo não era mais nada. Passara a ser uma simples mortal, e deixou a sua imortalidade apenas para o palco. Toda a sua aura – só para citar Benjamin – estava perdida, não havia mais potência.
Esse é o fantástico poder da arte. Aquilo que transforma borrões em paisagens, chinelos em quadros, mictórios em esculturas e o corpo na própria obra. Fora de sua institucionalização, certas coisas, como esse ser, já não tem mais sentido nem beleza.

Gary Hill no Oi Futuro RJ

2009-07-20T09:18:00.000-07:00

Language Willing (2002)

Wall Piece (2000)

Viewer (1996)

RIO - O americano Gary Hill chegou ao Rio na última quinta-feira com o hard drive de seu computador e uma luz estroboscópica na bagagem. Era só do que ele precisava para a exposição "O lugar sem o tempo", que será inaugurada nesta segunda-feira no Oi Futuro, com curadoria de Marcelo Dantas. Um dos mais importantes videoartistas em atividade, Hill volta ao país após 12 anos, trazendo cinco obras que, para ele, mais do que vídeos, são um modo de falar sobre linguagem, unindo palavras, sons e sensações:
- Nem sei o que é videoarte hoje - diz Hill. - Comecei com esculturas, e meu trabalho ainda tem um forte aspecto escultórico. Quando passei a trabalhar com mídia, eu usava os equipamentos da empresa à noite, sozinho, experimentando. Lembro de pôr uma câmera sobre a minha barriga e fazer sons, só para que ela se movesse. Comecei a pensar por trás da visualidade da imagem, em como ela se revela e se obscurece, e a trabalhar com uma quebra de linguagem em vários pedaços.
Servindo-se ou não do corpo dele, as videoinstalações de Hill são físicas. Homens encaram a câmera como se estivessem de fato em frente ao espectador. Hill se joga contra a parede, soltando uma palavra a cada batida. Pressiona partes do corpo contra um fundo preto, enquanto ecoam sons de baixa frequência. São todos vídeos simples e diretos, e frequentemente originados de uma ideia ou uma cena.
Uma das obras mais emblemáticas da forma direta e sintética como Hill trabalha a linguagem é "Wall piece" (2000). A cada batida do corpo na parede, o artista solta uma palavra, e uma luz estroboscópica é lançada sobre ele. Na instalação, outra luz estroboscópica é acionada fora do vídeo, criando um contraste de luzes que se sobrepõem e se alternam.
Hoje, as obras de Hill estão espalhadas pela internet, e ele próprio, recentemente, começou a lançar alguns trabalhos na rede. Mas já está repensando a atitude.
- Primeiro, a vibração da internet é muito suave. Mas, principalmente, é como ir a um salão repleto de atrações, que podem ou não ter qualidade. Tem a ver com o contexto, em como vemos e experimentamos algo. Você está num estado diferente quando vê vídeos na internet - diz ele, que não se fascina com os recursos crescentes da tecnologia.

- A questão não é o tamanho das possibilidades que temos, mas justamente como delimitar essas possibilidades.

Fonte: O Globo

Mostra Conexões Dançantes - UERJ

2009-07-07T13:32:00.001-07:00

Teatro - Zona de Risco

2009-07-05T11:50:00.001-07:00

08 e 09 de Julho de 2009
19 horas
Teatro Noel Rosa
Centro Cultural da UERJ - Campus Francisco Negrãode Lima – Maracanã - R. São Francisco Xavier, 524 - Maracanã - Rio de Janeiro - RJ

O espetáculo Zona de risco é uma experimentação cênica que surgiu da necessidade de abordar o tema da violência, um estado de guerra que perpassa nossa realidade e que aprendemos a olhar de modo distanciado, a não ser quando suas asas sobrevoam, tragicamente, nossa existência. A criação cênica busca uma forma própria de materializar a urgência do tema, atuando de modo performático como um manifesto poético.

O ato poético foi construído por meio de um processo colaborativo, sob a orientação da professora de teatro, Nanci de Freitas, com a participação de estudantes do Instituto de Artes da UERJ. Os estudantes trabalharam como atores e integrantes das equipes de criação artística, pesquisando e atuando na produção e na montagem dos elementos cênicos (cenários, figurinos, trilha sonora, vídeo, iluminação e programação visual), além da elaboração do roteiro cênico-dramatúrgico.

O roteiro foi construído a partir da colagem de textos diversos (poemas, crônicas, recortes de jornais, depoimentos, manifestos), tendo como ponto de partida o Poema Sujo, de Ferreira Gullar; e tomando como referência o Manifesto Rio de Paz Pela Redução de Homicídios, texto chave de um movimento que atua no Rio de Janeiro, em discussão permanente da questão (riodepaz.org.br).

Além das textualidades, o roteiro cênico se organiza por diversas camadas narrativas, na mediação com formas artísticas que se hibridizam e com a presença das imagens visuais e sonoras, em permanente tensão de sentidos.Zona de risco é o resultado de um processo de criação artística desenvolvido pelo projeto de extensão, Espaço de Estudos e Criação Cênica, coordenado pela Profª Dra Nanci de Freitas, no âmbito do Departamento de Linguagens Artísticas, do Instituto de Artes da UERJ. O projeto de extensão é o espaço de interseção entre as experiências artísticas e a pesquisa acadêmica, desenvolvida no projeto Processos de criação no teatro contemporâneo: mediação entre linguagens artísticas diversas (PIBIC/UERJ - 2008-2009). Partindo das especificidades da pesquisa em arte – relação intensa entre teoria e prática - os estudos, pautados na proposta de “processo colaborativo”, exercitaram conceitos como “ação física”, “ator criador” e “dramaturgia cênica”, gerando uma experimentação no âmbito da cena teatral.

Ficha técnica:

Concepção e direção: Profª Nanci de Freitas

Roteiro:

Fragmentos textuais: Poema sujo, de Ferreira Gullar; A morta, de Oswald de Andrade; O teatro e seu duplo, de Antonin Artaud; Polícia e Bandido, de Leandro Sapucahy; Apocalipse, de São João; Manifesto Futurista, de F. T. Marinetti, Manifesto Rio de Paz pela Redução de Homicídios, Malícius, o proliferador de maldades, de Fabricio Gabriel; além de fragmentos de Eric Hobsbawm.

Atores: Fabricio Gabriel Jéssica Orem Pedro Crok Rodrigo Claro

Dramaturgia cênica: Processo colaborativo com a participação dos estudantes do Instituto de Artes: Fabricio Gabriel, Catiane Soares, Jéssica Sobreira, Mabeli dos Santos Fernandes, Marcelo Augustinho, Pedro Crok, Rodrigo Claro Vieira.

Trilha sonora:

Criação: Arthur Batista Cordeiro (LCV) e Nanci de Freitas

Edição da trilha sonora: Arthur Batista Cordeiro e Fabricio Gabriel

Gravação de áudio: Carlos Eduardo Alves Batista (Web rádio: CTE)

Música de abertura: Respeitável público – de Daniel Belion (ART)

Criação e edição de vídeo: Arthur Batista Cordeiro e Fabrício Gabriel

Iluminação: Pedro Crok

Colaboração cenográfica: Profª Cristina Pape (ART)

Figurinos: O Grupo

Cartaz: Marcelo Augustinho e Arthur Batista Cordeiro

Montagem de luz e som: Equipe técnica da Divisão de Teatro (Decult/Sr3)

Coordenação de produção: Nanci de Freitas

Assistentes de produção: Juliana de Oliveira Augusto Catiane Soares da Silva Clarice Duarte Rangel

Execução da produção: O Grupo

Apoios: Instituto de Artes da UERJ, Laboratório de Cinema e vídeo – LCV, Decult/SR3, Divisão de Teatro, COART, Depext/SR3, Cetreina, CTE (Web Rádio e COPSON), Comuns, Gráfica UERJ.

Pina Bausch 1940-2009

2009-07-04T09:49:00.000-07:00

Segundo comunicado da companhia de dança (em 30 de junho):

"Hoje (nesta terça-feira) de manhã morreu Pina Bausch, bailarina e coreógrafa do Tanztheater de Wuppertal. Uma morte rápida e inesperada vitimou-a cinco dias após um diagnóstico de câncer. Ainda no penúltimo domingo, ela estava de pé com sua companhia no palco da Ópera de Wuppertal".

Aumenta a frutração ler, no site do O Globo:

"A bailarina viria ao Brasil em setembro para apresentar suas obras-primas 'A sagração da primavera' e 'Café Müller' (esta levada ao cinema no filme "Fale com ela", do diretor espanhol Pedro Almodóvar)".

Importante coreógrafa, dançarina, educadora e diretora de uma companhia de dança, seu verdadeiro nome era Josephine Bausch. Trabalhou no campo da dança teatro: expressionista, sua dança contava histórias usando, como material, as relações humanas e, como o vocabulário, os movimentos cotidianos, a repetição, além da colaboração entre diferentes formas de arte.

A inovação de suas obras provocou muita polêmica antes de ser reconhecida mundialmente.

Biblioteca: Walter Benjamin

2009-05-05T19:42:00.000-07:00

Que atire o primeiro urinol quem faz curso de artes visuais e nunca ouviu falar em Walter Benjamin e a 'Obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica'. Esse texto é o primeiro de vários que vão integrar o marcador "Biblioteca", onde vamos tentar colocar boas leituras sobre arte que estejam disponibilizadas na web.

'A Obra de Arte na era de sua reprodutibilidade técnica', Walter Benjamin.

(avise-nos se este link não estiver mais funcionando mandando um comentário ou e-mail).

Anaïs Nin - Uma espiã na casa do amor

2009-04-24T10:18:00.000-07:00

"Sempre que se sentisse perdida nos infinitos desertos da insônia, ela iria dedicar-se de novo ao filamento labiríntico de sua vida, desde o princípio, para ver se poderia descobrir em que momento os caminhos se haviam tornado confusos".

_______

Não gosto de fazer 'críticas' de nada artístico. Acho que cada um tem uma experiência própria e quase nunca consigo passar aos outros a minha, mas aqui vou criticar a crítica. Não se julga um livro pela contra-capa:

"Um romance sobre os limites das descobertas sexuais".

Sabina era casada, mas vivia viajando, sob o falso(?) pretexto de ser atriz, e conhecendo outros homens. Sendo cada homem diferente, o sexo era diferente. As descobertas sexuais meio que terminam por aí. Sim, eu tenho em mente que tudo se passava na década de 50, mas o erotismo não é o ponto alto do livro. O que mais encanta são as descobertas psicológicas, o desenrolar de cada história e as conclusões a que ela chega através de todo o enredo, de cada novo encontro, os paradoxos culpa/liberdade, amor/sexo, medo/segurança, as mil personalidades... parece ser uma simplificação dizer que é um romance sobre limites de descobertas sexuais. Mas, também, dizer muito mais do que isso é entregar o ouro. Então, eu paro por aqui. Recomendo o livro. Muitas passagens se encaixam perfeitamente para espiãs e 'moradoras'.

concurso cultural Bravo!

2009-02-26T10:23:00.000-08:00

Em: Revista BRAVO! Fevereiro/2008

Concurso Cultural Casa do Saber

Ferreira Gullar ministra o curso “As raízes da Arte do Século XX” na Casa do Saber da Lagoa, no Rio de Janeiro, a partir de 4/3. Participe do Concurso Cultural de BRAVO! e concorra a cinco vagas

A BRAVO!, em parceria com a Casa do Saber, oferece cinco vagas para as aulas que acontecerão em março. Para concorrer a uma das cinco, é preciso responder à seguinte pergunta:

"Em Argumentação contra a morte da arte, Ferreira Gullar rejeita valorizar na arte somente o caráter conceitual e a novidade em vez dos valores estéticos. Você concorda com o crítico e poeta? Para você a arte está ameaçada de morte?"

Envie sua resposta para o e-mail concultbravo@gmail.com. Os autores das melhores respostas serão anunciados no dia 01 de março, segunda-feira, no site de BRAVO!

mais informações e regulamento neste site.

+ dicas

2009-02-26T09:53:00.000-08:00

Esta eu encontrei no blog do Ricardo Lombardi, Desculpe a poeira:

http://pt.bookmooch.com/languages

você cadastra livros que queira trocar, recebe pedidos, envia os livros e acumula pontos, que vão permitir que você peça livros de outras pessoas. ainda não me cadastrei, mas parece bem interessante.

Primeiras dicas de 2009

2009-02-26T07:49:00.000-08:00

Olá, pessoal!
tentando ressuscitar o blog, mas o tempo ainda está escasso.... aqui vão as dicas de hoje:

[Blog sobre videoarte]:

http://videarte.wordpress.com/

[Site de arte]:

o smARThistory se apresenta como uma alternativa aos caríssimos livros impressos de arte, trazendo imagens, textos e vídeos de graça, porém apenas em inglês. é bem completo, dividido em épocas, estilos, artistas e temas.

http://smarthistory.org/

Para quem gosta de ler

2008-11-24T06:47:00.000-08:00

Existe um site que é uma espécie de orkut pra quem gosta de livros. No

www.goodreads.com/

você cria um perfil onde adiciona em "prateleiras" os livros que já leu, os que está lendo e os que quer ler, classifica se gostou ou não e pode fazer comentários e críticas sobre eles, com desconhecidos e com seus amigos.
Quem gostar da idéia, pode me adicionar:
http://www.goodreads.com/user/show/1331284

aah, o site é só em inglês, mas não é complicado de usar.

update:

e pra quem gosta de filmes, eu acabei de descobrir o The Auteurs, um site de relacionamentos que é quase o mesmo esquema do goodreads, onde o tema é cinema! Em inglês também...

Site cultural gratuito é lançado hoje

2008-11-20T13:00:00.000-08:00

Respeitável público, o tempo é curto, por isso vou apenas reproduzir a reportagem do BBC news:

Europa lança site cultural gratuito com 2 milhões de itens

{atualizado: o site só volta a funcionar em dezembro!}

Site oferece desde a Mona Lisa a manuscritos de Beethoven
A União Européia está lançando nesta quinta-feira um arquivo digital na internet com mais de dois milhões de itens da cultura européia que estão expostos em mais de mil museus, bibliotecas, galerias de arte e arquivos do continente.
O site Europeana - no endereço dev.europeana.eu - inclui filmes, fotos, pinturas, mapas, arquivos sonoros e textos, todos disponíveis gratuitamente. [Na verdade, o endereço que eu consegui acessar foi http://www.europeana.eu/ e ele está temporariamente fora do ar devido ao grande número de acessos]. Até 2010, quando o projeto estiver totalmente concluído, os organizadores do site prometem oferecer mais de 10 milhões de obras.

De Gutenberg à Mona Lisa
Os internautas podem navegar pelo site em mais de 20 línguas – entre elas, o português.
O arquivo já conta com itens tão diversos como receitas da culinária francesa, textos de Homero ou imagens digitalizadas de manuscritos de Beethoven.
Segundo a comissária da União Européia para Informação e Mídia, Viviane Reding, o site permite que internautas vejam a Bíblia de Gutenberg ou a Mona Lisa sem precisar ir ao British Museum, em Londres, ou ao Museu do Louvre, em Paris.
"O Europeana dá acesso digital à história da Europa, seja a que está nas bibliotecas, nos arquivos ou nos museus, tanto de imagens, sons como filmes", disse o diretor de coleções européias e americanas do British Museum, Stephen Bury.
Centenas de instituições contribuíram para o site. O Instituto Nacional de Audiovisual da França contribuiu com mais de 80 mil gravações de áudio e vídeo do século 20, inclusive de imagens das primeiras batalhas da Primeira Guerra Mundial, em 1914.

http://www.bbc.co.uk/portuguese/reporterbbc/story/2008/11/081120_europeana_dg.shtml

Cildo Meireles na Tate Modern

2008-11-18T05:57:00.000-08:00

O artista carioca Cildo Meireles ganhou uma retrospectiva na Tate Modern (Londres). Considerado um artista conceitual multimídia, suas obras costumam apresentar um viés político que se mantém atual mesmo depois de décadas. Estão expostas 80 dessas obras (8 instalações) na exposição que fica até janeiro do ano que vem.
Antes dele, o único artista brasileiro a expor na Tate foi Hélio Oiticica, no ano passado, 17 anos após sua morte.

Desvio para o Vermelho (1967-1984)

Inserções em Circuitos Ideológicos - 2. Projeto Coca-Cola, 1971

Volátil (1980-94)

Cildo Meireles. Tate Modern (Bankside, SE1 9TG, Londres, Inglaterra, tel. 00++/44/20/7887-8888). Até 11/1/2009. De 2ª a 5ª, das 10h às 18h; 6ª e sáb., das 10h às 22h; dom., das 10h às 18h. Grátis.

Fontes:
Matéria de Fernanda Lopes para Revista Bravo! Novembro/2008
Imagens: website Tate Modern: http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/cildomeireles/about.shtm

Parabéns!

2008-11-18T05:11:00.000-08:00

Opa! Queremos parabenizar a todos os participantes da mostra O Passo do Elefantinho. Organizadores, apoio, expositores e público fizeram da mostra um sucesso que promete frutos ainda maiores. O esforço valeu a pena e provou que nós, estudantes, temos força para conseguir nosso almejado espaço. E que a atitude satisfaz muito mais do que reclamar sentado. Ao Fabricio Gabriel, nosso agradecimento pela iniciativa, pela paciência e pela perseverança.
Em breve, mais comentários e fotos da expo!

Parabéns também à nossa amiga Mariah, que vai participar da Bienal de Arte Ciências e Cultura da UEE/RJ. Não foi com o trabalho abaixo, mas com outro que já foi postado aqui, o United , também conhecido como "amigos fatiados", trabalho do qual a gente também gosta muito. Boa sorte Mah, estaremos lá!

Et in arcadia ego.

2008-11-13T18:24:00.000-08:00

Esse trabalho se baseia na poética entre a ausência e a presença. E entre a contradição entre o paradisíaco e a morte.
Asssim como no quadro de Poussin, et in arcadia ego --
atribuo uma fala ao defunto : também estive na Arcádia.
Essa foto é de um cemitério chamado "monumental" na Itália
num país onde há tamanha riqueza em obras de arte,
a morte persevera presente e inegável,
transformando indivíduos em lembranças
tornando clara a possibilidadde de ausência e presença num mesmo momento
a simultaneidade com que alguém pode estar presente e não estar.

Inscrevi o mesmo na Bienal de Arte Ciências e Cultura da UEE/RJ, segá? rs.

e por falar nele...

2008-11-12T13:10:00.000-08:00

Saramago tem um blog!

Inaugurado em setembro deste ano, http://caderno.josesaramago.org/ fica dentro de outro blog, o da Fundação José Saramago http://blog.josesaramago.org/ .

Segundo o autor, a página trará "o que for, comentários, reflexões, simples opiniões sobre isto e aquilo, enfim, o que vier a talhe de foice”. Nela, está um trecho de seu novo livro "A viagem do elefante".

Frases/citações: José Saramago

2008-11-12T12:45:00.000-08:00

"Sou realmente um céptico que precisa sempre de ver o que se oculta por trás da aparência das coisas. Das coisas, das palavras e de quem as diz. É um cepticismo em geral bem humorado, mas nem por isso menos implacável. Vivemos numa permanente comédia de enganos que é preciso desmontar continuamente".

"mais um passo"

2008-11-07T06:28:00.000-08:00

Como disse ABC, mais um passo!

Povo de arte, estamos muito felizes! O Passo do Elefantinho foi prorrogado por mais uma semana! vai até o dia 13 (apenas dias úteis), das 10h às 20h. As mesas acabaram, mas vocês ainda podem conferir os trabalhos da cena artística universitária da uerj.

Participe!

eu vou!

2008-11-03T16:16:00.001-08:00

A Mostra O PASSO DO ELEFANTINHO é um evento organizado por estudantes do Instituto de Artes da UERJ para divulgar a produção dos mesmos e criar um espaço de discussão em Artes. Serão 30 trabalhos expostos e apresentados abrangendo diversas mídias como vídeo, pintura, desenho, gravura, escultura, performance, instalação e fotografia. A exposição se dará das 10:00 às 20:00 dos dias 5 e 6 de novembro de 2008.

Teremos também um conjunto de 4 mesas pelos 2 dias, ao qual demos o nome de A Múltipla Arte, em que profissionais de peso no meio artístico estarão abordando questões do universo da arte a partir de suas produções.

Mesa 1 - (05/11/2008 – quarta-feira – 10:00 as 12:00)

Anna Bella Geiger (Área de atuação: artes visuais)
Cristina Ribas (Área de atuação: artes visuais)

Mesa 2 - (05/11/2008 – quarta-feira – 18:00 as 20:00)

Ilva Niño (Área de atuação: artes cênicas)
Nanci de Freitas (Área de atuação: artes cênicas)

Mesa 3 - (06/11/2008 - quinta-feira - 10:00 as 12:00)

Mariana Manhães (Área de atuação: Artes visuais)
Antonio Bokel (Área de atuação: Artes visuais)

Mesa 4 - (06/11/2008 - quinta-feira - 18:00 as 20:00)

Christian Caselli (Área de atuação: Cinema)
Eloisa brantes (Área de atuação: Artes cênicas, performance e dança)

O evento ocorrerá no Centro Cultural da UERJ. A exposição será no salão em frente à Galeria Gustavo Schnoor e as mesas no auditório do ateliê do Instituto de Artes (UERJ/campus Maracanã - Rua São Francisco Xavier, 524).
Abraços

Comissão Organizadora do O PASSO DO ELEFANTINHO
Coordenação Geral : Fabricio GabrielCoordenação de Curadoria: Catiane Soares e Natalia Candido Coordenação de Divulgação: Arthur Batista Cordeiro e Marta Egrejas Coordenação Técnica: Hélvia Cruz de Oliveira e Vanessa JansenCoordenação de Certificação: Bianca Silva e Pedro Luis C. de Souza

eu, (22_pm, caroux_, Ana Nunes...dentre vários outros eus-líricos), vou expor, ABC vai expor, Dom quixote tbm vai!

pichação na bienal de são paulo

2008-10-28T19:47:00.000-07:00

http://mais.uol.com.br/view/255329981421609581/metropolis--pichacao-na-bienal-de-sao-paulo-04023560E4A12326?types=A&/

uma outra cegueira

2008-10-28T08:03:00.000-07:00

Li o livro de José Saramago, Ensaio sobre a cegueira, e vi o filme de Fernando Meirelles, Blindness. Apesar de, como quase sempre, o livro ser insuperável, gostei muito do filme, achei bastante sensível e respeitoso com a história original. Convence e me fez relembrar sentimentos que eu tive com o livro, fascinante. Em momento algum a história de Saramago me fez pensar mal de qualquer cego. Aliás, em momento algum eu pensei em cegos. Eu pensei em mim e nas pessoas, principalmente as que "enxergam".

Estou escrevendo isso porque a NFB (National Federation of the Blind), uma associação americana de cegos, não apenas desaprovou o filme como organizou protestos, afirmando que o filme os retrata como pessoas incapazes, más e pouco higiênicas.

Acredito que nenhum deles tenha, de fato, entrado em contato com a história. Porque é uma estupidez sem tamanho que se conclua tudo isso de uma história surreal, onde quase todos ficam cegos, um por um, de repente... uma epidemia de cegueira branca. Saramago ainda teve o cuidado de diferenciar a cegueira. Porque é óbvio que não se trata de cegos. Não se trata da falta de visão.

E se fosse o caso, qualquer situação em que se jogassem pessoas que acabaram de perder a visão em um ambiente já sujo e velho, abandonado, cujas torneiras não funcionam, aonde a única pessoa que vê corre riscos e não pode ajudar a todos ao mesmo tempo, e aonde TODOS, trabalhadores, ricos, pobres, ladrões (armados), são confinados lutando por comida.... qualquer ambiente desses seria bastante próximo do que "Ensaio" mostra.

Que fossem surdos, mudos, paraplégicos. Não é sobre uma parcela da população que perdeu um de seus sentidos. É sobre um mundo inteiro que perdeu o seu sentido, bem antes de deixar de ver.

E é triste ver pessoas tão revoltadas com uma obra tão intensa e honesta. Sem trocadilhos, o que elas estão vendo é a superfície. Mas, pode ser que tenham até razão, se o livro estiver certo. Se formos todos cegos (com metáfora) a ponto de compreender tão mal a sensibilidade da crítica de um outro ser, então é possível que eles percam oportunidades de emprego e sofram preconceito. Mas, fico feliz em saber que Meirelles vê e quer que outros vejam também.

recomendo o livro primeiro, o filme depois.

reavivando...

2008-10-25T12:09:00.000-07:00

enquanto a gente decide o que fazer de fato com o blog, uma notícia interessante e que realiza sádicas frustrações infantis de algumas pessoas.... ou não tão sádicas, apenas vingativas (!).

10 de outubro a 08 de novembro, galeria Aquarium, Londres

na exposição Splatter , o artista plástico britânico James Cauty torna realidade algumas das cenas que povoaram a imaginação de muitos.... 'e se o coiote pegasse o papaléguas?!'

"É incrivelmente sanguinário. As conseqüências reais da violência nos desenhos animados são reveladas. Eles massacram uns aos outros", disse o artista plástico britânico James Cauty.
O artista diz que a idéia para a mostra partiu de seu filho, Harry, de 15 anos de idade.

fonte das imagens e citações: BBCBrasil

Motivo Oriental . Grafite. Tam A3. 2006

2008-07-21T11:23:00.000-07:00

Famoso quadro atribuído a Goya não é dele, dizem especialistas

2008-07-04T09:14:00.000-07:00

Restauradores do Museu do Prado, em Madri, afirmaram nesta quinta-feira que o famoso quadro O Colosso, que era atribuído ao artista espanhol Francisco Goya, não é dele.
Em uma entrevista coletiva em Madri, os chefes de conservação do Museu confirmaram o engano com relação à autoria da obra.
Segundo eles, a identidade do pintor do quadro ainda é desconhecida, mas provavelmente seria do espanhol Asensio Juliá, único discípulo do mestre barroco.
"Em minha opinião é um quadro assinado e feito por um artista diferente de Goya. Notamos que há outra mão ali e é distinta", afirmou a Diretora de Conservação de Pintura do século XVIII do Museu do Prado e especialista em Goya, Manuela Mena.
Durante quase 80 anos, o quadro esteve exposto em lugar de destaque no museu e era considerado uma das jóias da arte espanhola.
O Colosso representa um gigante enfurecido que ameaça uma cidade e foi considerado uma das obras mais representativas da produção de Goya sobre a guerra da independência de Madri de 1808, quando a cidade se rebelou contra a invasão napoleônica.
A celebração do bicentenário desta independência acabou levando às suspeitas sobre a autoria do quadro.
Um evento no Museu do Prado, em janeiro, que reuniu vários especialistas e restauradores para analisar a obra de Goya, levantou dúvidas sobre a autoria de O Colosso.
Os especialistas, que realizaram um inventário e uma mesa de debate, antecedendo a exposição Goya em tempos de guerra, inaugurada em abril e que permanece aberta ao público, concluíram que o quadro apresenta traços estilísticos e inscrições pouco comuns às obras do pintor - que deixou vários quadros sem assinatura.
A diretora de conservação Manuela Mena, comentou que "as dúvidas eram históricas e o mais prudente seria eliminar o quadro da mostra sobre a guerra e investigar a autoria".
O Chefe de Conservação do museu, José Luis Díez, disse que a principal pista de que O Colosso não seria de Goya foi um inscrição quase apagada encontrada no canto inferior esquerdo da obra, pintada entre 1808 e 1812, com as iniciais AJ.
"Mas o que nos chamou mais atenção foi a diferença de traços estilísticos", comentou Mena.
O diretor geral do Museu do Prado, Miguel Zugaza disse que O Colosso permanecerá na sala original onde está desde 1931 dentro do pavilhão dedicado a Goya, até que a autoria correta seja esclarecida.
Asensio Juliá, nascido em 1760, foi um dos poucos colaboradores de Goya, que viveu que viveu de 1746 a 1828. Os principais registros da atuação dele com o mestre do classicismo estão nos afrescos da igreja de Santo Antonio da Florida, em Madri.
As primeiras referências bibliográficas sobre O Colosso apareceram no inventário do artista feito pelo filho dele, Javier Goya, e que depois passaram ao colecionador espanhol Pedro Durán.

BBC Brasil

http://www.bbc.co.uk/portuguese/reporterbbc/story/2008/06/080626_goyafalsoespanhaai.shtml

How to paint the MONA LISA with MS PAINT

2008-06-11T11:36:00.001-07:00

é, minha gente... e aí??!

O passo do elefantinho

2008-05-28T17:27:00.000-07:00

Bom, quem frequenta o IARTE já conhece, mas este é o elefantinho branco. Um projeto muito bacana que tem sido levado pelo nosso amigo Fabrício e que objetiva levantar o povo do instituto pra fazer arte e mostrar que ela existe na Uerj, mesmo que pelos seus becos, cantinhos de corredores e submundos. Acho ótimo, e tenho muita fé que vamos conseguir dar maior visibilidade para o nosso curso, seja ganhando mais espaço, seja carregando o público para os nossos pequenos espaços. O importante é a nossa atitute, como faremos pra aproveitar muito bem o que temos, e lutar por mais.

então, copiando/colando o recado da próxima reunião:

Pessoal, Na última reunião foi cobrado um pouco mais de firmeza no andar do elefantinho. Para isso é preciso a formação de um grupo sólido que encabece esse movimento. Sei que é difícil para muitos comparecer as reuniões, mas a próxima definirá os integrantes do primeiro momento, o de elaboração do projeto. Por isso peço para que venham participar da próxima reunião no dia 30 de maio de 2008 (sexta-feira) as 14:00 no ateliê do Instituto. Vontade e disponibilidade são as palavras-chave deste encontro. Os que não puderem se comprometer minimamente que contribuam como colaboradores, mas saibam que o elefantinho precisa de gente presente para caminhar. Às pessoas que forem, peço que retornem por e-mail oelefantinhodearte@gmail.com
confirmando a presença e eu enviarei alguns materiais interessantes para a próxima reunião. Abraços.
Conto com vocês,
Elefantinho.

copos, luz e cores...

2008-05-28T11:37:00.001-07:00

fotografias:
copos
líquidos
lanterna

não usei photoshop nessas (!)
mais em: www.flickr.com/caroux_/

queridos,
o blog está ficando muito bom! parabéns a todos :D

Um trabalho de faculdade...

2008-05-25T07:47:00.000-07:00

Senhores (as), faz algum tempo, na aula de Tópicos Especiais em Artes Visuais, cuja professora é a artista plástica e doutora Cristina Salgado, foi-nos requerido um trabalho prático que tratasse sobre a questão da Nostalgia, sob a ótica das nossas leituras em sala, eminentemente psicanalíticas, conduzidas pela profª artista supracitada.

Meu trabalho acabou sendo um texto, o que foi criticado de certa forma, pois um texto não tem o caráter imediato de uma obra de arte, o que eu compreendo e concordo. Eu sou um pouco preguiçoso mesmo!

Mas aqui envio o texto, para apreciação geral e etc...

Abraços,

Alexandre Marzullo

SOBRE NOSTALGIA

Começo o trabalho desculpando-me sinceramente. Sim, pois não irei conseguir realizar uma obra nostálgica ou de caráter semelhante. Não conseguirei e não quererei conseguir. Gosto de minhas lembranças? Sim. Tenho orgulho e carinho por elas? Sim. O que me impede então?

Eu me considero jovem. Tenho 23 anos, completados dia 23 de abril, e estou cursando o 5º período da faculdade de Artes. Entretanto, só passei em uma 1 matéria do 4º (fase conturbada!). Sou o primeiro de dois a vir ao mundo, tenho uma namorada e bons amigos. Minha família é pequena e tenho grandes aspirações para o futuro.

Futuro.

Futuro, presente, passado. Uns colocam o pote d’ouro à frente, outros preferem anos dourados que não voltam mais. Infância, arcádia, sucesso duradouro, dinheiro não traz felicidade mas ajuda a comprar. Tudo na base do fui e do irei; o “sou” é difícil, inconstante, evasivo. Sou implica em ser e ser pode ser lido como estar. Neste sentido, estar adquire caráter temporário, pois se estou é porque ou não estava antes ou não virei a estar depois. Ambos os raciocínios se conectam então à idéia de tempo. Mas, o que é o tempo?

Quando me lembro de determinados fatos, que me aconteceram nos anos mais jovens, não é raro sentir novamente as emoções de então. Penso também nos chamados “traumas” de guerra, as lembranças freqüentes que se freqüentam. De certa maneira, é como se, ao lembrarmos-nos, nós as revivêssemos revendo as mesmas. Me recordo, agora, de uma passagem daquele clássico livro do Arnheim (Arte e Percepção Visual), onde ele diz que ver é interpretar a realidade (algo do tipo). E interpretar é sentir. Onde está o tempo nesta equação? Quando temos acesso ao passado no presente, a partir das memórias, a linearidade temporal se dobra sobre si mesma; a ordem exata dos eventos se torna confusa e imprecisa. Com um pouco mais de introspecção, talvez ela se torne inexistente. É o que nos revela, por exemplo, o mistério da Sagrada Trindade Cristã, em que o Pai, o Filho e o Espírito Santo (um ancestral sobrenatural dos mesmos, ou a essência que perpassa de geração em geração) são a mesma e única coisa. O escritor James Joyce também abordou este tema em sua obra Ulisses, onde o personagem Stephen Dedalus versa sobre o enigma de Hamlet, de Shakespeare, interpretando o fantasma do pai como um espectro do próprio filho, o qual por sua vez não era outro senão seu pai. “Trans-substanciação, consubstanciação, mas não sub-substanciação.” Neste instante, já não tenho mais 23 anos – sou intemporal, atemporal. Sou o resultado e causa da História da Humanidade, do Mundo, da Vida ( tão mortal quanto posso ser), e quando olho para outra pessoa, eu tenho – DEVO – reconhecer nela os mesmos princípios, atributos, características que visualizo em mim. Neste caso, somos todos cíclicos, eternos e mortais.

É na morte, nosso futuro próximo, que encontramos a afirmação mestra da vida, nosso presente imediato. Pois se onde há vida há morte, então onde há morte deverá existir, necessariamente, vida. Todos os povos conheceram esse bio-dogma – os mitos do Eterno Retorno (dilúvios, juízos finais, reencarnação/metempsicose, etc.). Curiosamente ou não, todos eles também tiveram um mitológico e/ou suposto passado idílico (Era de Ouro, Éden, Arcádia, etc.); onde está o Presente, o Filho que é o Pai, gerado pela Mãe-Consorte sob os céus arquidivinos?

Viver é aceitar todos estes valores, que são muito mais temíveis e terríveis do que penso conseguir expressar ou conceber. Viver o presente é a tarefa mais difícil possível ao Homem, pois dizer sim – aceitar – implica em negar o “não”. Nós não podemos escolher sem realizar renúncias. Por isso, finalmente, não posso fazer um trabalho sobre Nostalgia. Não quero me sentir nostálgico, porque quero meu presente comigo aqui agora, meu presente que é meu passado e meu futuro em mim que sou pai, filho, espectro e pó de mim mesmo. Dizer sim, a não-ação que atua, é confiar no Absoluto Transcendente-Imanente, Deus, Cosmos Universo, é se reconhecer como impotente perante a força da vida. Que sou eu senão tudo que vivi? Como posso fazer um trabalho sobre nostalgia, quando estou vivendo tudo e todos aqui e agora? Todo o tempo todo deste mundo templo de Deus eu abarco com meu peito em humilde memória. Se pretendo dizer sim e afirmar a potência da vida, amor fati, então preciso dizer não ao sentimento nostálgico, idealista, conservador. Pelo menos por enquanto, onde ainda me sinto ousado (leia-se jovem!) para ousar. Dizer sim é entender-se a si e a vida, o mundo como um sistema aberto, voltado à transcendência. Uma vez que o entendimento de si mesmo só se torna possível com o reconhecimento e portanto, aceitação de nossas idiossincrasias, aceitar-se, portanto, é entender a vida, uma vez que somos todos o todo.

Dizer sim.

Dizer sim é atravessar os limiares escuros carregado de dívidas existenciais, dizer sim é amar verdadeiramente: amorosamente. É desistir da pompa e da glória, é aceitar a dor sem mistificá-la. Um exercício de nobreza, dizer sim é. Um grande e longo suspiro em êxtase. Viver

Vota, Brasil!

2008-05-22T18:32:00.000-07:00

Tamanho A3,Guache. Mariah 2008.

Marta Egrejas

2008-05-17T07:51:00.000-07:00

[pessoal... essa é a nossa primeira contribuição! É um trabalho (imagem e texto) da Marta, nossa colega da aula de fotografia. Como ela sempre traz imagens muito interessantes, nós a convidamos a publicar uma aqui. Apreciem! e obrigada, Marta! ]

Dizem que tenho muitas linhas. E que elas seguem diversas direções, muitas vezes contraditórias. Confusa? Não acho. Apenas agitada e com, talvez, uma exagerada vontade de viver tudo.
Dizem que por isso não sei o que quero. Não acho. Sei muito bem o que quero e o que não quero. E que eu não foco, que sou distraída, que me perco. Pergunto: isso é necessariamente ruim? Respondo: não.
Também dizem que não me entendem. Que eu falo uma coisa e meu corpo diz outra. Pode ser. São meus problemas de expressão. Necessito apenas de uma sintonia fina.
Não é preciso me entender.
Uma dica? É só me ver.

Atendendo a pedidos...

2008-05-08T10:45:00.000-07:00

Technicolor Mini Oasis IV . Thierry Feuz
Experimentem todos os sabores! fiquei na dúvida de qual colocar, porque são todos imbatíveis!

United.

2008-05-06T12:35:00.000-07:00

Nesse trabalho, faço uma citação ao trabalho “ technicolor’ do pintor austríaco Thierry Feuz, onde ele trata do limite frágil e tênue entre formas e cores.
Na minha abordagem, falo sobre a minha própria essência e da essência da fotografia/ imagem, transformando fotos de amigos em linhas de cores aglomeradas.
Trata-se de uma reflexão sobre as relações humanas, sobre tudo as que são feitas por escolhas livres, que proporcionam prazer e bem estar.
Na execução de United, utilizei 17 fotos de amigos queridos, achatando-as com a ajuda do Adobe Photoshop, tornando-as linhas, imagens então não reconhecíveis. Intermediei com cores secindárias e usei o preto como contraponto, como tensão entre as cores mais claras. O motivo para o uso de cores secundárias foi justamente por serem cores provenientes de misturas das cores primárias, assim como as amizades se fundamentam no envolvimento entre duas ou mais pessoas.

O corte

2008-05-04T14:21:00.000-07:00

Peço a vocês que antes de lerem o meu texto possam ver e talvez apreciar o meu trabalho acima, pois não quero deixar influencias pelo que leram. Para mim é muito mais importante que tenham as suas próprias impressões. A seguir, para quem quiser está o meu texto.

A obra que vos apresento eu mesmo – seu autor – lhe dei o título de “O corte”. Cabe a mim, que concebi a obra, explicar o que ela mostra em si, ou seja, num campo real e não semântico ou, para os que gostam de Heidegger, na terra e não no mundo. Ela consiste numa performance que culmina num vídeo que não é registro, mas também debate essa questão. O vídeo tem no máximo 50 segundos. A performance consistiu em andar por todo o lugar aonde ia durante uma semana com um curativo na face, na minha bochecha direita, molhado em iodato – o que dava a entender que havia me ferido profundamente – se me perguntassem o que havia ocorrido a resposta era simples: Um corte. Se insistissem a resposta era a mais irônica, ou sarcástica –como quiserem -possível: Feri-me num safári pela África quando 32 ninjas poloneses, clandestinamente, surgiram para caçar um dos leões.
Enfim, essa foi a performance. O vídeo consistia em um título no seu início (“O corte”) em letras brancas e um fundo preto, e uma pessoa com uma faca –eu com um cutelo- apontada e pressionada contra o rosto (é extremamente necessário que fique claro aqui que em momento nenhum eu me feri), não havendo música ou som algum durante o plano seqüência, apenas o artificial silêncio, durante todo o vídeo. No momento em que se espera que finalmente aconteça o corte em minha face acontece um corte para um tela preta e em seguida aparecem os créditos.

Pois bem, esta é a obra. A sua concepção partiu do pedido de um professor para que criássemos uma obra prima. É eu sei: uma obra prima? O que é uma obra prima foi o meu primeiro questionamento, em seguida foi o que é uma obra, depois o que é uma obra de arte, enfim o que é arte. Como percebem, e eu também percebi, é meio difícil se responder a essa(s) questão(o que eu deveria por aqui para que vocês percebam que pode ser “questão” ou “questões”?), logo, decidi por fazer uma obra e dá-la todo o meu empenho - pelo menos o mental, que para mim é o que mais vale, mesmo sabendo que não vale por ela toda – e começar a trabalhar. Toda obra de arte – disso eu já sabia quando pensava a obra – como pude perceber durante os meus estudos na faculdade parte de um princípio básico: um problema. Para que a obra tenha potência, ou seja, o poder de ser compreendida por qualquer um, o seu problema deve ser referir a algo de um cônscio geral. Qual problema? Depende do artista e de sua época. Pode ser a representação do espaço (a perspectiva no renascimento); a representação de idéias e não de meras mimeses (no tempo em que os gregos filosofavam com o Sr. Platão); a luz na pintura (os impressionistas, vide o Sr. Manet); ou a voz da arte de uma nação (a semana de arte moderna de 22); enfim, não importa a época nem se é escultura, pintura ou desenho o que importa é a potência do problema que a obra irá ferir.
Qual foi o meu problema? Amigos, foram vários. Tirando os monetários, o meu problema era o que víamos quando não víamos. Será que era preciso ver para entender ou sentir? É óbvio que não. Além desse, também decidi incluir na obra um questionamento que vem me aborrecendo durante um tempo. O problema era o corte cinematográfico. Ismail Xavier, Jean-Claude Carrière, e Bernadet – sem desmerecer ninguém, esses foram os que lembrei- entendem que a linguagem cinematográfica se diferencia, primordialmente, da teatral no que confere o nascimento do corte. Assim sendo ironizei o meu corte, o que é sugerido com a faca, com o corte cinematográfico.
Já a performance surge a partir do vídeo. Para que eu pudesse ganhar a tensão (não confundam com atenção, não foi um erro de digitação eu realmente quis dizer “tensão”) dos espectadores do meu vídeo era preciso que meu corpo correspondesse ao vídeo, as marcas que ele deixou (deixaria) em mim. Por isso, uma semana antes da apresentação do trabalho (e eu nem o tinha feito ainda) eu comecei a andar com o curativo. É claro que isso também dava um teor de credibilidade ao meu “filme” já que funcionou como uma maneira publicitária. Mas quem disse que a arte não pode ser encontrada também na publicidade?
Lembro-me agora do filme BORAT. Um filme que gerou repercussão mundial, tanto pelo teor dele quanto pela sua maneira de chamar o público. A ação publicitária consistiu no ator do filme durante um tempo viver exatamente como a personagem que interpretara, assim, muitos entenderam que o filme na verdade não era ficção e sim real. Ou seja, o ator fez uma performance.
Longe aqui de passar delongas linhas discutindo esse tema (publicidade e performance) que acho tão mais incrível que o trabalho que discuto – o meu – vou pará-lo por aqui.
Retomando:
Enfim apresentei o vídeo, muitos (a maioria) se sentiram enganados e até ofendidos, alguns ameaçaram não acreditar mais em mim, outros entenderam tudo como uma grande piada. Mas afinal de contas –pergunto eu- quem quer mentira maior que a arte? Quem de nós, que já parou para pensar um pouco sobre arte, mercado artístico ou a profissão de artista não se sentiu enganado e até ofendido, ameaçamos não acreditar mais nela ou até a entendemos como um grande piada? Não me elevo nesse discurso a um artista, e também não rebaixo a arte a minha obra, apenas abro a discussão – é o que vale mesmo, não? - .
Claro, a inúmeras falhas em minha obra e eu mesmo posso apontá-las ao espectador menos atento: Para os que não viram a minha performance a obra perde potência; ela só fala em um contexto de sala de aula e não consigo a ver falando mais que isso (a não ser pela questão do corte cinematográfico). Num todo foi um bom trabalho, e não vejo nada além disso. Obra prima? Acho que sim: enganei a todos no final das contas.
Quem quiser comentar suas impressões da obra ou o que achou do texto, fique a vontade!

Fotografia

2008-04-27T19:23:00.000-07:00

Aproveitando o momentum que minha amiga e colega 22pm (carol) proporcionou com seu belo trabalho fotográfico, gostaria de enviar para apreciação geral umas poucas palavras sobre Fotografia; são a tentativa de esboçar um pensamento que, se não é embasado, é muito esforçado [=)] , para a aula de Fotografia da faculdade de Artes na Uerj (Professora Tânia Queiroz).

"O procedimento fotográfico é, em si mesmo, de natureza mecânica e característica. Isto equivale a dizer que existe uma determinada linguagem fotográfica, a qual se apoiará em determinados preceitos e normas usuais.
No entanto, a fotografia se utiliza ainda de certos recursos tradicionais que são comuns a outras categorias de arte, tais como o uso de técnicas de composição e tipos de estruturação (por exemplo, forma retrato/paisagem, uso de elementos cromáticos, luz e sombra, etc.). De fato, a fotografia só parece sair desta intersecção quando seus próprios elementos intrínsecos determinam no resultado final da obra. Mas não quero cair no erro ''Greenbergiano''! Seria equivocado falar de uma "essência" fotográfica, uma vez que a obra de arte exige uma conceituação própria, a qual não depende de regras usuais ou especificidades quaisquer mas somente da competência do artista ao defender sua cria, seja essa competência inerente à obra (ou seja, uma obra com mais apelo estético) ou inerente ao seu conceito (no caso de uma obra evidentemente conceitual)."

Aberto a críticas e comentários, assim como futuras correções!
Alexandre Marzullo

série 01 - jam lights

2008-04-26T15:04:00.000-07:00

fotografias digitais.

(sem alteração digital)

• Brendha Haddad •

2008-04-16T08:39:00.000-07:00

Tamanho A3, grafite. Mariah 2008.

2008-04-13T10:18:00.000-07:00

“ Dos filhos desse solo és mãe gentil” – Será?

Na última sexta feira (11/04/08), houve no centro do Rio uma homenagem à obra do Profeta Gentileza- José Datrino, aquele que saiu do interior de São Paulo e se dispôs a escrever mensagens de amor em cinquenta e cinco pilastras na Avenida Francisco Bicalho.
Muito embora não tenha conseguido me manifestar aqui na mesma sexta feira por problemas técnicos, penso ser um evento importante, que não poderia deixar de ser comentado.
Há quem diga que o povo brasileiro tenha a gentileza e a hospitalidade como fortes características. Mas a impressão que eu eu tenho é que isso se dê apenas com relação aos turistas, pelo menos na grande maioria das vezes. O que acontece é que não são tão comuns assim as manifestações de gentileza. Talvez seja em decorrência da grande crise de segurança pela qual estamos passando: não se sabe mais em quem confiar, e parece muito mais seguro ser mais ríspido, andar mais rápido, desconfiar. Provavelmente o Profeta não previu que anos a frente de sua obra seria necessário ser menos gentil por uma questão de preservação.
Por outro lado, talvez seja melhor se arriscar, ter a coragem de ser gentil sem distinção de pessoas, porque , se hoje em dia estamos sujeitos a toda sorte de violência, seria injusto deixar que nos roubem a gentileza.

Perfil em lápis de cópia.

2008-04-10T11:53:00.000-07:00

Dois metros e meio por um metro e meio. Bem, aproximadamente. Mariah, 2007.

Antonio Parreiras na Caixa Cultural

2008-04-09T08:52:00.000-07:00

Iracema (1909)

Dia 27 de março saiu uma crítica de Sylvio fraga Neto (Segundo Caderno, O Globo) sobre a exposição "A história de um pintor contada por ele mesmo", na Caixa Cultural, e eu acho que vale a pena mencionar aqui.

Sylvio argumenta que a exposição não faz jus à importância do pintor, tendo selecionado60 obras que, segundo ele, são as menos relevantes dentre as mais de 700 produzidas pelo artista.
Bom, particularmente, só agora, no quinto período, ouvi falar de Antonio Parreiras (1860-1937), em História da Arte do Brasil II. E como diria Mariah, senhoras e senhores, vejam que impressionante, nesse texto consta a frase: “Parreiras representa muito mais para o Brasil do que Monet para a França”. Aahn?!
É, ele foi um artista de enorme importância nos séculos XIX e XX, mas com todos os problemas que temos no Brasil, conhecer a cultura do país é privilégio de pouquíssimos.
Mas, o ponto principal que ele defende é interessantíssimo: existe um Museu Antonio Parreiras, em Niterói! Com um acervo imenso! Qual o motivo de transportar as obras que estão logo ali, com todo o custo que isso requer? Parece que o museu está em péssimas condições, mas retirar as obras de lá para expor em outro lugar é quase transformá-lo em um depósito, não?

A exposição vai até 27 de abril (unidade Barroso).

E o endereço do MAP é:

Rua Tiradentes, 47 - Ingá

Visitação: Terça-feira à Sexta-feira das 11h às 17h; Sábados,

Domingos e Feriados das 14h às 17h. As visitas são guiadas.

Tel.: (21) 2719-8728 e 2299.9578

"primeiro"

2008-04-07T14:41:00.000-07:00

Caros amigos, apreciadores e pensadores da arte,

este blog foi criado com muitas intenções, todas boas e relacionadas à arte. Também queremos reunir o que der sobre a produção do Instituto de Artes da UERJ, o que é levemente pretensioso, considerando que não há como conhecermos todos os habitantes de lá, mas se você é um deles, apresente-se e contribua! E se não é, também!

abraços!

em construção!

2008-04-05T11:26:00.000-07:00

obrigada pela paciência.